Brice Marden : un héritage au-delà des monochromes

Jul 31, 2023

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Il n’a pas arrêté l’histoire de l’art, mais il a tracé de nouveaux territoires pour la peinture abstraite.

Par Roberta Smith

Au milieu des années 1960, au plus fort du délire de la peinture morte, Brice Marden se peint lui-même dans un coin. Il réalisait des œuvres monochromes réductrices – des toiles horizontales et verticales dans une gamme de tons sobres de peinture à l’huile épaissie avec de la cire d’abeille fondue. Il ne semblait y avoir aucun endroit où aller où quelqu'un d'autre n'était pas allé auparavant. La critique Barbara Rose, citant deux maîtres des toiles unicolores, a écrit « si Ellsworth Kelly peignait un Jasper Johns, il ressemblerait à un Marden ».

En effet, Marden, décédé jeudi à l'âge de 84 ans, avait étudié l'art de Johns alors qu'il travaillait comme gardien au Musée juif, lors de l'enquête menée par le peintre plus âgé en 1964, et a toujours reconnu son influence. En 1970, il réalise un tableau à trois panneaux aux proportions généreuses intitulé « Trois gris délibérés pour Jasper Johns ».

À une époque où l'expressionnisme abstrait s'était estompé et où le pop et le minimalisme consolidaient leur emprise sur la scène artistique new-yorkaise, Marden n'était pas le seul artiste à se retrouver dans un coin, se rapprochant de ce qu'on appelait parfois « les dernières peintures qui pouvaient être fait." Il y avait Frank Stella – connu pour ses toiles aux formes de rayures noires et son affirmation sans détour selon laquelle dans son travail « ce que vous voyez est ce que vous voyez » – et Robert Ryman, qui, tel un brillant ingénieur, variait sans cesse les composants physiques de peintures qui étaient presque toujours blanc.

Mais l'art de Stella s'est rapidement transformé en trois dimensions avec des formes saillantes et des couleurs vives et pailletées, tandis que Ryman, remarquablement, a maintenu le cap, trouvant toujours des moyens d'étendre et de maintenir sa formule.

Marden, qui croyait que regarder des peintures pouvait être transportant, a quitté le coin par un autre chemin, s'appuyant sur ses monochromes d'abord en ajoutant des panneaux, puis en faisant des marques, en commençant par des formes aux contours lâches. Dans ce processus, il s’est tourné vers l’histoire de la peinture pour s’inspirer, ouvrant de nouvelles possibilités pour l’abstraction et au-delà. À maintes reprises, il a montré que l’art de toute époque ou culture était contemporain et vivant, s’il offrait aux artistes quelque chose qu’ils pouvaient utiliser.

Contrairement à Pollock, Johns ou Stella, Marden n’a jamais arrêté l’histoire de la peinture dans son élan. Il parlait, comme un peintre traditionnel, de l'importance de la lumière et de la nature et considérait avec révérence le rectangle comme l'une des grandes inventions humaines.

Il a conservé la croyance des expressionnistes abstraits dans l'expression personnelle et les œuvres d'art faites à la main. Pourtant, ses panneaux unicolores à surface épaisse donnaient à ses peintures quelque chose de « l’objet » associé au minimalisme. Ils résultaient de plusieurs couches de mélange de cire d’abeille et de peinture à l’huile. Il disait croire que chacune de ses toiles rectangulaires avait une couleur qui correspondait parfaitement à ses proportions, si seulement il pouvait la trouver.

En 1966, il a eu sa première exposition à la désormais célèbre galerie Bykert sur East 81st Street, qui a donné ses premières ou premières expositions à de jeunes artistes éminents de l'époque comme Chuck Close, Alan Saret, Dorothea Rockburne et Joe Zucker. Presque dès le début, ses expositions étaient attendues et son évolution étroitement surveillée par les jeunes peintres.

Marden et sa femme, la peintre Helen Marden, formaient l'un des couples les plus éblouissants de la scène artistique new-yorkaise des années 1970 et 1980, dégageant un glamour de rock star. Il préférait les bottes de cowboy et était rarement dépourvu d'une sorte de couvre-chef bien fait – des Borsalinos mais le plus souvent des casquettes de montre en tricot noir. Une visite au début des années 1970 dans leur loft de Bond Street a laissé un écrivain stupéfait par le grand canapé en cuir géométrique magnifiquement usé et la chauve-souris frugivore d'Helen.

Conformément à la douceur du toucher implicite dans ses surfaces, Marden avait tendance à avoir une voix douce, décontractée, voire même des manières douces. Il n'était pas enclin aux grandes déclarations ou aux démonstrations d'ego. Dans ce qui était une déclaration à la fois d'ambition et de gratitude maladroite, il est apparu sur une photo lors de l'annonce d'un spectacle Bykert, assis sur ce que certains pensaient être la tombe de Cézanne – un fan amoureux mais irrévérencieux. Mais il s'agissait en réalité du piédestal vide du « Monument à Cézanne » d'Aristide Maillol (1912-1925) à Paris – un nu allongé en bronze qui était en pause, probablement pour restauration.